domingo, 17 de abril de 2011

Que la obra supere al autor

Por: Santiago Cifuentes Jurado

“Se acabaron las épicas batallas en pro o en contra del romanticismo, el naturalismo, el wagnerismo…” (Hose)

En nuestra sociedad la función de la crítica de todo tipo, pero sobre todo la que involucra las artes, se ha visto relegada a planos menores. Esto ha dado como resultado un menosprecio a la necesidad de reflexionar sobre lo estético, y en últimas ese vacío reflexivo ha homogeneizado las percepciones. Fernando García afirmaba que “…la crítica se halla en lamentable decadencia y no ofrece influencia alguna…”.

Una de las responsabilidades del periodista cultural de nuestros días, es precisamente hacer alarde de una crítica que construya un futuro más sólido para las expresiones artísticas del país, y esto solo se logra como dice Hose, librando batallas intelectuales a favor de lo que nos gusta y en contra de lo que nos disgusta.

Este artículo pretende defender algo que me gusta, más específicamente una obra de arte: Ballena Azul de Sebastián Fierro, y además proponer otra manera de entender las obras de arte en general. El 30 de marzo se público en El Clip, una crítica (y entiéndase por crítica no algo dañino, sino una argumentación personal) realizada por Jessica Choner, la cual encuentro bastante deficiente en sus aportes al discurso estético de la obra.

Choner empieza su artículo diciendo que le cuesta trabajo imaginarse lo que el artista quiso plasmar en la obra. Creo que este es el primer error al acercarse a una expresión artística. Hay que empezar a entender que la obra en sí misma debe superar al artista, y no el artista a la obra como es lo que usualmente ocurre.

Por otra parte la autora describe la obra con “tonos poco naturales, tal vez modernos, algunos claros y otros agresivos”. Primero que todo, hay que aclarar que la naturalidad del color no se da por su concordancia con la naturaleza, por lo tanto es un error calificar de poco natural el color de la obra. También es curioso calificar un color de moderno, puesto que no hay colores exclusivos de aquella época. “Agresivo” es otro adjetivo aligerado, más aún si se determina los tonos opacos como tal, además que los colores y sus tonalidades no son portadores de actitudes, el espectador es quien las asume.

“Ese mar que casi parece muerto”. Que curiosa imprecisión darle muerte a un ente poseedor de vida. Cuando se aprecia una obra no hay peor decisión que optar por comentarios ligeros. El hecho de que la sensación de su movimiento no sea totalmente evidente no quiere decir que este muerto. ¿Acaso alguien ha visto un cielo sin nubes muerto por su condición estática?

“Es un artista fauvista”. Lamento informar que no todo artista que decide ponerle colores a su obra es fauvista. Si se quiere entrar en conceptos técnicos la obra no podría serlo ya que el fauvismo rechaza la profundidad, renuncia a la perspectiva, al uso de claro/oscuro y los volúmenes. La obra de Fierro cumple con todas esas características. Por otra parte el fauvismo pretender realzar el valor del color en sí mismo. La obra de Fierro va más allá de esa exaltación sobrepasando lo netamente visual. Si se quiere categorizar la obra, es una mezcla del surrealismo, del expresionismo y la pintura abstracta. Del surrealismo se rescatan los valores de lo onírico, el interés por la metamorfosis y la demencia como precepto sensorial. Del expresionismo se encuentra la exaltación de los sentimientos y una fuerza psicológica y expresiva que se plasma a través de los colores fuertes y puros. Finalmente de la pintura abstracta asume la representación espontánea.

“Los colores que produce el rastro del movimiento de la ballena en el agua, no son reales”. Para mí el azul, rosado, blanco, naranja, todos los colores que están, sí que son reales, tanto como las letras que se ven aquí. Los conozco, los uso, los veo. Otra cosa es que de alguna manera Choner haya sentido que su realidad se vio perturbada, pero esos colores son tan reales en la pieza que sin ellos no existiría ni obra, ni por supuesto espectador.

“Los colores podrían estar sin ninguna razón en el cuadro”. No me parece justo llenar de razones una obra que apela a lo contrario. Además considero que en gran parte los colores son lo que le dan un significado especial al cuadro, por ende no se les puede dar una condición de aleatoriedad.

Es evidente que los artículos que se producen sobre expresiones artísticas están adquiriendo valores repetitivos que no aportan al significado y construcción de la obra en sí misma. Cuando se va a escribir sobre arte hay que tener en cuenta que cualquier idea que se produzca hace parte de la obra, quien ve y opina también construye o destruye. La precisión en el mundo de las letras es tan exigente como en los números, puesto que cada palabra condiciona e incluso crea patrones de comportamiento y pensamiento que interioriza cada ser para luego ser divulgados de manera masiva.

“La palabra es mitad de quien la pronuncia, mitad de quien la escucha” (Montaigne)

viernes, 15 de abril de 2011

Los paisajes mentales de una conciencia olvidada



Los paisajes mentales de una conciencia olvidada

Por: Diana Carolina Buitrago

Con la obra “A 90º de MONET” del artista colombiano, José Omar Valbuena, La Galería Casa Cuadrada cumple con su cometido de “apoyar el proceso de creación de las personas como una forma de desarrollo individual”, cometido que ha sido enriquecedor para los visitantes y artistas que frecuentan la sala desde 1998.

Del 31 de marzo al 17 de abril, el artista plástico Colombiano, inspirado en los paisajes mentales del artista impresionista Claude Monet, nos remite a nuevos lugares, sensaciones y sentidos todos inmersos en el pecado que nos toca como paisanos colombianos, el olvido.

Lo que en algún momento las obras del Monet revocaban belleza, para este autor Colombiano sugieren conciencia, através de la reproducción de un arte que permite, como lo expresa Valbuena, “hacer una reflexión frente a un problema que se vuelve invisible”. La técnica del autor permite que los objetos olvidados en la visión cotidiana sean rescatados y se genere una mayor conciencia y crítica de los problemas que afectan el verdadero entorno que nos rodea las tierras, paisajes, ancestros, animales y memorias que sin tener valor comercial son el pulmón que surte de oxigeno, belleza y tradición nuestras vidas, el valor que constituye nuestro ser. La contaminación, daños ambientales y sociales que desangran no sólo la belleza que los constituye sino la conciencia de quien los ignora.

Los 90º expresados en la obra de Valbuena se refieren a como el artista se adentra “en medio de la flora y la fauna nativa tomando otro punto de vista a 90º grados, una vista de planta o como dicen en los nuevos medios digitales desde google earth para hacer una aproximación a los nenúfares de Claude Monet”

Es por este carácter artístico de construir memoria, rescatar valores y hacer visible lo invisible que la obra del artista colombiano debe ser no sólo visitada sino vivida en un espacio que sugiere ese desprendimiento de lo comercial del arte para dar paso a lo vivencial como lo es La Galería Casa Cuadrada, ubicada en la carrera 7 # 83-20

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La exposición será mostrada de lunes a viernes de 9:00 de la mañana a 7:00 de la noche y los sábados de 11am-5pm.





jueves, 14 de abril de 2011

CIENCIA Y ESENCIA (Leopoldo Richter)

Por: Paola Andrea Torres Parra.

La galería Deimos Arte ubicada en la Carrera 12 # 70 – 49 en Bogotá abrió sus puertas el 24 de Marzo, para darle la bienvenida al la obra “Ciencia y Esencia” de Leopoldo Richter. Una obra donde el artista alemán deja ver las experiencias y vivencias de él mismo a partir de sus investigaciones científicas de las comunidades indígenas, por las selvas colombianas.

Una serie de dibujos en crayola, lápiz, técnica mixta y esmalte sobre cerámica realizados por el artista de gran reconocimiento Leopoldo Richter, hacen parte de esta exposición que busca resaltar el sentido de transmitir una serie de sensaciones y reflexiones sobre los recursos naturales de Colombia y lo hace de una forma particular. Utiliza bocetos a lápiz o Crayola sobre papel creando, una atmósfera íntima que evoca un tiempo pasado, menos realista y hasta un poco abstracto. Sus figuras, algunas veces desproporcionadas, revelan verdades sobre los lugares que representa y eso se extiende a sus obras acerca de las culturas nativas, dónde dibuja figuras humanas.

Acerca de este último tema el mismo autor decía: “He tratado de interpretar las acciones y el pensamiento de estos indios por las misma líneas rectas y rectangulares en las que se han manifestado”, y eso se hace evidente en obras como las 3 indias jóvenes (1951) o Morena (1950).

Por otra parte las composiciones de Richter rígidamente verticales y ortogonales no se convirtieron en un estilo inflexible. Especialmente las figuras femeninas aparecen a veces en movimientos sensuales. El interés de Richter no se limita a los habitantes humanos de la selva. También es intérprete de animales. El reino de los animales siempre despierta la curiosidad de Leopoldo. Como por ejemplo el pez uno de los alimentos básicos de los indígenas, aparecen no sólo en sus obras de pescadores, sino también, en obras independientes.

Por último, cabe destacar que las composiciones de Richter obtiene una afortunada combinación de un concepto monumental con los atractivos efectos de tapetes decorativos, conquistando una nueva dimensión de su obra.

Fernell Inesperado

Los curadores José Falconi y Ángela Gómez, encargados de la exposición Fernell Franco, una impecable soledad, se quedan cortos a la hora de describir la obra del fotógrafo vallecaucano. Pues, acostumbrados como estamos a ese tipo de expresiones, esperamos llegar a la sala y encontrarla llena de fotografías que evocan el “privilegiado encuadre” que tiene cada artista. Los encargados de esta exhibición no anticipan que este trabajo particular  rompe los esquemas tradicionales que presentan otros colegas en el ámbito de la fotografía.

La exposición, que estará exhibida hasta el 24 de abril en el Museo Nacional, aborda varias etapas artísticas inherentes a la trayectoria de este creador, que desarrolló su trabajo paralelamente con otros como Director de fotografía en publicaciones como Cromos o el periódico El País de Cali. 

Asimismo, la muestra cuenta con el apoyo del Centro Rockefeller para estudios norteamericanos, que fue la institución encargada de organizar e inventariar su archivo fotográfico, salvaguardado en Cali por la Fundación Fernell Franco.

Reúne diversas facetas de la obra de Franco, pero sobre todo, explora un estadio experimental poco conocido de su propuesta. La curaduría, especialmente, se encarga de enfatizar este ámbito. “Franco propuso nuevos límites para el medio y cómo representó las transformaciones de Cali tanto en los contenidos como en la intervención  sobre los soportes”, aseguró María Victoria de Robayo, directora del Museo Nacional de Colombia.

Igualmente, la muestra incluye unas piezas que el mismo Franco define como “Bocetos”, y muestran los estudios preparatorios que hizo el artista. Éstos vistos en conjunto muestran la obsesión que lo caracterizó, pues se encarnizó con reproducir infinitamente las imágenes que le atraían.

En conclusión, la obra del artista vallecaucano evoca mucho más que esa impecable soledad de la que hablan los curadores. Reflexiona sobre la modificación de los espacios y la capacidad de ver belleza más allá de una imagen bien encuadrada. 

Una exposición de Valbuena al estilo de Monet

Una exposición de Valbuena al estilo de Monet

Por Jaime Alberto Báez Peñuela

El pasado 31 de marzo el artista bogotano José Ómar Valbuena inauguró la exposición A 90° de Monet, con la que busca generar conciencia social entorno a los males causados sobre el medio ambiente que no se difunden en los medios de comunicación.

En palabras del artista, la idea es despertar “gran curiosidad por los movimientos continuos que allí se realizan sin ningún control, como son las fumigaciones con glifosato y otros herbicidas”, que dejan a la población indígena y a su habitad “vulnerables a riesgos de toxicidad, con efectos congénitos y reproductivos y con una acción mutagénica y de contaminación del medio ambiente, que produce ulceraciones y tumores hepáticos”.

A 90° de Monet está compuesta por cuadros que representan barcas sobre las cuales están pintados hombres y mujeres que usan trajes típicos colombianos; junto a ellos están elementos como peces e instrumentos indígenas que, según el autor, representan lo que se está destruyendo en nuestro entorno.

Todas las imágenes son mostradas desde una vista de 90° grados para lograr una aproximación a Los nenúfares, serie de pinturas al óleo que el paisajista francés Claude Monet realizó en sus últimos años de vida.

La exposición de José Ómar Valbuena, ubicada en La Galería Casa Cuadrada (Cra. 7 No. 83-20), estará abierta al público hasta el próximo 17 de abril. Para mayor información visite la página www.casacuadrada.com.

GALERIA CASA CUADRADA. A 90° de Monet

Por: Catherine Marcelo

La Galería Casa Cuadrada presenta en exposición abierta al artista José Omar Valbuena con su obra a 90° de Monet, del 31 de marzo al 17 de abril del 2011.

Al artista plástico, maestro y Docente Universitario colombiano, la Galería Casa Cuadrada le permite en su sala alternativa, entrar al mercado del arte para exponer su talento y su concepto de paisaje a 90°. Cuenta con la participación del curador Felipe Garavito, que no solo está a cargo de esta exposición sino de todas las que participan de la galería.

A 90° de Monet quiere expresar una analogía del paisaje colombiano como un lugar al que no se conoce con profundidad. Se quiere presentar toda la inconformidad del artista acerca de la contaminación en la flora y la fauna colombiana desde una plano de 90°, en palabras del artista, “es allí donde encuentro uno de los elementos que me permiten hacer una reflexión frente a un problema que se vuelve invisible”

La perspectiva que presenta el autor no es convencional y tiene un concepto bien profundo. Parte desde el plano en que se mira cotidianamente, las personas miran en una dimensión horizontal, de acuerdo a esta mirada se pierden muchos componentes que determinan el todo, pero cuando se observa desde otra dimensión, fuera del alcance visual, se pueden encontrar cosas que antes eran invisibles y sin relevancia. El tema de la contaminación entra en el plano de picada como una critica de lo que no se ve en una primera instancia. El autor da un recurso al espectador de amplitud visual y real.

Se añade en las obras el término de Monet por toda la influencia que este artista francés brindó al concepto de paisaje mental. Valbuena expone que este referente le permite “hacer visible aquella inconformidad con el sistema”. Por otro lado, Monet le ayuda al artista colombiano a definir elementos esenciales en su obra, los botes, los animales, los jardines, las flores, etc.

La obra del maestro, A 90º de Monet, “Es una forma de capturar un territorio, un tiempo y una memoria“, es la manera en que el artista quiere dejar plasmado estéticamente una realidad ignorada por la población, la violación natural que se realiza con cotidianidad en la selva colombiana, con referencia al artista francés y todos los elementos que éste incluye en sus obras y en su estilo.

Casa Cuadrada ve al arte del artista colombiano como una forma de expresión personal, como la manera en que el individuo se puede desarrollar no solo en una valoración económica sino de manera integral.


El lenguaje propio de Freda Sargent


En la galería el Museo de la cuidad de Bogotá (carrera 11 # 93ª – 43) se encuentran exhibidas las obras de la artista inglesa Freda Sargent hasta el 30 de abril de 2011. La muestra cuenta la obra más reciente de la artista que está compuesta por 30 obras, 15 de formato mediano, y las sobrantes de tamaño pequeño; las cuales se encuentran ubicadas en las salas del segundo piso de la galería.

Esta exhibición muestra como la artista desarrolla una forma propia de pintar la cual está entre lo abstracto y lo figurativo, en donde sus pinceladas entran a jugar un papel fundamental y sirven para delimitar demarcar y destacar los objetos que quiere plasmar en sus obras.

En la galería, la obra de la artista está claramente dividida en dos, en la primera sala, se encuentran todas las obras que están haciendo alusión a la naturaleza, en donde se pueden ver muchos paisajes en los cuales predominan los tonos azules, verdes y grises. Se hace evidente la admiración y la atracción que la artista siente por la naturaleza, pues en cada una de las obras la artista plasta elementos como la luna, la tierra, el agua y el viento. Sin embargo en la segunda sala, hay obras que muestran figuras humanas que están realizando diferentes acciones. Todo esto es una muestra indiscutible de la forma como esta artista se aleja de las vanguardias y de la crítica de la época. Creando así su propio e inconfundible lenguaje.

La exhibición de las obras está desde el 31 de marzo y se extenderá hasta el 30 de abril de 2011.


Juliana Bermúdez Díaz

Bernardo Ortiz en Galería Casa Riegner

Exposición Dibujos

Por Laura Mesa


Dibujos, se titula la exposición del Artista Bernardo Ortiz Ocampo, que actualmente se encuentra en la Galería Casa Riegner en Bogotá. Durante septiembre del año pasado, Ortiz trabajó suplantando a un personaje inventado, “quizás un hombre ermitaño, obsesivo meticuloso, que anota a manera de diario todos los gastos que ha tenido durante el día marcando con diferentes tamaños de bolitas verdes para representar la cantidad de dinero”.


A simple vista, éstas son bolitas insignificantes, pero si se mira detalladamente y se deja volar la imaginación, estas bolitas se pueden convertir en cabezas de personas vistas desde arriba o porque no, en árboles con diferentes tamaños y cantidad de ramas. Al acercarse a ver los dibujos, las bolitas crecen o se hacen más pequeñas. Es una repetición de círculos verdes dibujados en hojas blancas, en total 30 metros. Según Ortiz, su obra la componen varias capas, entre ellas la pura mecánica que se encuentra en la repetición.

Las notas al pie son otro elemento que hace que estos dibujos tengan un espacio y tiempo determinados, ya que explicó en éstas momentos clave para conectarse con la exposición. La letra es tan diminuta que hay que acercarse a no menos de 5 centímetros para poder leerlas.

"Es el rastro diario que dejamos y del que no nos preocupamos o no somos conscientes. El tiempo es el objeto de mi obsesión, que se ha convertido en una acumulación de libretas, dibujos y de anotaciones", explica el artista sobre una obra, que siempre busca registrar la vida. 

Homenaje al artista  León Ferrari

Por Isabel Torres Martínez

La galería sextante presenta las ediciones Divertimentos, Caligrafías y  Escritos en el aire en homenaje a los 90 años del maestro León Ferrari.  Esta exhibición está abierta al público desde el 31 de marzo y estará  hasta el 30 de abril. 
 
Del Taller Arte Dos Gráficos nace la Galería Sextante ubicada en la Cra 14 N° 75-29, donde se exhibe varios trabajos del artista argentino León Ferrari.  Como primera presentación se muestra Divertimentos donde se muestran sus obras acerca de la religión. Este artista que estudió ingeniería civil en la Universidad de Buenos Aires, siempre ha mostrado en sus obras temas controvertidos como la religión, el sexo y la violencia.  Tomó clases de cerámica y esto lo muestra en sus obras como “El infierno, 2007” que son hechas de cerámica, en esta parte de su exhibición muestra obras como  “La ultima cena, 200”, y “El infierno, 2007”, pero lo curioso de estas obras son la manera como son mostradas, encima de un sartén, es la manera critica tanto político como social  que le da León Ferrari a los iconos propios de las imágenes religiosas occidentales. Muchos críticos lo han tildado de blasfemo por incluir en sus obras estos temas que en una sociedad católica es imposible tocar, sin embargo Ferrari rompe con todos esos prejuicios y se lanza para expresar sus críticas. 

Caligrafías y escritos en el aire son los otros temas que se exhibe en Sextante. Este artista muestra la combinación de palabras y sus libros como el collage literario Palabras ajenas.
La obra de León Ferrari siempre tendrá ese toque único que tiene el artista, sus posiciones políticas y sociales, hace que sus obras sean interesantes y llamativas. Por eso la galería Sextante quiso presentar esta obra en homenaje a este artista que tiene tantos críticos como aficionados.
La entrada a la galería no tiene ningún costo y se exhibirá hasta el 30 de abril.